lunedì 4 marzo 2019

DIETRO LA MASCHERA: Pene d'amor perdute





E' carnevale! E ogni recensione vale! Il nostro amico blogger Marco de La stanza di Geordie ha voluto omaggiare la festa che sancisce la fine dell'inverno e prepara la strada per la primavera con una serie di film incentrati sul tema della maschera. Per questa occasione spolvero Pene d'amor perdute, che presenta una bella festa mascherata perfetta per questo day.







Titolo: Pene d'amor perdute
Titolo originale: Love's Labour Lost
Francia, Uk, 2000
Cast: Kenneth Branagh, Natascha McElhone, Alessandro Nivola, Adrian Lester, Matthew Lillard, Alicia Silverstone, Carmen Ejogo, Emily Mortimer
Sceneggiatura: Kenneth Branagh
Regia: Kenneth Branagh
Durata: 95'


William Shakespeare può essere contemporaneo. In generale tutte le opere che hanno qualche centinaio di anni sulle spalle possono essere attuali. La Divina commedia di Dante potrebbe benissimo essere scritta oggi, aggiornando di poco le pene e i gironi infernali (magari ridimensionando parecchio quelli del Purgatorio e soprattutto del Paradiso). Non fa eccezione il 'bardo' shakespeariano, che ha avuto una seconda giovinezza cinematografica a cavallo tra gli anni Novanta e l'inizio del Ventunesimo secolo con risultati più o meno lodevoli: dal Patrick Verona interpretato da Heath Ledger in 10 cose che odio di te (ovvero La bisbetica domata), a Leonardo DiCaprio e Claire Danes, ovvero i Romeo + Juliet di Baz Lurhmann, fino all'Amleto super moderno di Ethan Hawke dove fa il filmaker in Hamlet 2000. In tutta questa 'renaissance' anche Kenneth Branagh da il suo contributo. 
Fin dagli esordi con il suo Enrico V, Branagh era sempre stato rispettoso (e forse un po' timoroso) verso il Bardo, anche se ha voluto 'contaminarsi' con una trasposizione un po' più moderna del suo Hamlet ambientato nell'800 probabilmente per discostarsi da una eredità pesante come l'Amleto di Lawrence Olivier. 
Ma nel 1999 Branagh si lascia andare e osa spostare il suo amato Will negli anni Trenta con una commedia, Pene d'amor perdute.
Ed ecco che il re di Navarra (Alesssandro Nivola) in piena età art decò decide di dedicare 3 anni della sua vita allo studio insieme ai suoi fidi amici Longaville (Matthew Lillard) e Dumaine (Adrian Lester) che si buttano a capofitto nell'impresa senza pensarci due volte. Un po' di remore le ha invece Berowne (Branagh) che pensa che questo orat et labora sia un po' troppo rigido. Niente donne, un solo giorno libero a settimana e 3 ore di sonno per notte. Riluttante, Berowne accetta. Ma ecco che la principessa di Francia (Alicia Silverstone) arriva a corte insieme alle sue damigelle Rosalina (Natacha McElhone), Maria (Carmen Ejogo) e  Katherine (Emily Mortimer) per una questione economica lasciata in sospeso e scocca la scintilla. Il re di Navarra respinge inizialmente la principessa e la ospita in un cottage fuori dal castello. La principessa invece si diverte a prenderlo in giro per il suo giuramento e comincia un gioco di seduzione
E in un'epoca, quella del jazz, così sexy e romantica allo stesso tempo non si può solo pensare allo studio e così spuntano lettere d'amore da parte di Berowne e Rosalina e patimenti d'amore per Dumaine per Katherine e Longaville per Maria. 
Il quartetto di aspiranti studiosi si strugge sulle note di I've Got a Crush on You, The Way you Look Tonight, Cheeck to Cheeck e tanti altri classici senza tempo, tanto da far saltare il progetto di studio matto e disperatissimo tanto agognato quanto mai terminato.
E complice una festa in maschera, la principessa e le sue fidate ancelle esplodono in sensualità scambiandosi di ruolo e facendo impazzire d'amore il re e i suoi amici.
E l'amore è nell'aria anche per Costard (Timothy Spall) e Jacometta (Stefania Rocca) che si corteggiano. Sboccia l'amore, ma scoppia la Seconda guerra mondiale, mettendo a dura prova i loro sentimenti.
Pene d'amor perdute forse non sarà all'altezza del Romeo + Juliet di Baz Lurmhann, ma Branagh riesce a cogliere in pieno la leggerezza delle deliziose commedie shakesperiane fatte di sotto trame, piccoli intrighi ed equivoci, sapientemente mescolate con le musiche di Cole Porter, Irving Berling e di Gershwin. Ed ecco la ricetta vincente di Pene d'amor perdute: i sospiri amorosi di Berowne Rosalina si mescolano alla perfezione con il jazz gershwiniano, così come il jazz sa essere piccante come il wasabi con il sensualissimo ballo in maschera, dove la passione tra i nostri beniamini scoppia irrimediabilmente e senza remore. 
E William Shakespear diventa materiale perfetto per un film che richiama la Golden Age di Hollywood, con rimandi a Bubsy Berkley (il numero musicale in piscina), i musical di Ginger Rogers e Fred Astaire e la commedia sofisticata tipica dell'età d'oro di Hollywood.
Branagh fa diventare l'opera di Shakespeare un musical e più che a Lurmhann si ispira a Tutti dicono I Love You, dove non ci sono attori presi da Broadway o comunque star del cinema con un passato sui palcoscenici e si affida al discreto talento di Nivola, Lester e soci che non sfigurano in canto e ballo. 
Branagh per l'occasione si mette in tiro con baffo d'ordinanza (non so se ci avete mai fatto caso, ma a parte Enrico V ha un look particolarmente curato e sa essere anche parecchio figo). Se Branagh non sfigura nel canto e ballo, Adrian Lester si dimostra il migliore (anche perché è l'unico che ha un passato sui palcoscenici del West End londinese), mentre Lillard e Silverstone sono i meno efficaci. E
E se il momento musicale con Stefania Rocca/Jacometta risulta il meno riuscito e si vede lontano che sono dei principianti, il numeri musicali migliori sono il solo di Lester che eccelle in I'd Rather Charleston in biblioteca, e ovviamente la festa in maschera sulle note di Let's Face the Music and Dance, così sexy che sembra uscita da Chicago (il musical, non il film di Marshall). 
Pene d'amor perdute forse non sarà all'altezza di Hamlet o di un musical di Broadway, ma comunque riesce a cogliere lo spirito shakespeariano e sa far sognare lo spettatore per 95'. E se amate Shakespeare e Gershwin, questo particolare mix può fare a caso vostro.

Voto: 7

Hanno partecipato (e parteciperanno)

28 febbraio – Marco de La Stanza di Gordie: Spider-man la lunga genesi
1 marzo – Pietro di Pietro Saba World: Hush
2 marzo – Alfonso di Non c’è Paragone: Cabal
e a seguire…
4 marzo – Me, Director’s Cult: Pene d’Amor Perdute
5 marzo – Cassidy di La Bara Volante: The Mask + Kris di Solaris V per vendetta

mercoledì 20 febbraio 2019

GOODBYE: Addio a Bruno Ganz




Ancora una volta la felicità ha battuto invano alla mia porta.
(Fernando - Pane e tulipani)

Bruno Ganz - (1941- 2019)

domenica 10 febbraio 2019

GOODBYE: Addio ad Albert Finney


Albert Finney (1936 -2019)

"Se c'è una cosa che detesto, è una donna indispensabile!" (Mark Wallace - Due per la strada)

lunedì 14 gennaio 2019

NICOLAS CAGE DAY: Drive Angry

Gennaio è il mese per fare i buoni propositi e per festeggiare Nicolas Cage. A grande richiesta dalla blogosfera, per ben tre volte l'amatissimo e anche schifatissimo Nicola Gabbia, nome translato di Nicolas Cage, viene celebrato per il suo compleanno. La genesi del day ha assunto toni epici da brutta figlia di sultana, con me, Director's cult che ha sbomballato i marroni per celebrarlo e poi ha lasciato fare agli altri. Che dire, il mio entusiasmo ha contagiato gli animi, facendo sorvolare dalla mia professionalità che fa ridere i polli. Chiedo venia! E siccome noi siamo maistream, noi lo festeggiamo in ritardo, che Nicolone nostro con la sua faccia marmorea non fa una piega.


Bannerone della madòna! 








Titolo: Drive Angry
Id., USA 2011
Cast: Nicolas Cage, William Fitchner, Amber Heard
Sceneggiatura: Todd Farmer, Patrick Lussier
Regia: Patrick Lussier
Durata: 106'




Ci sono film brutti, film di m#@a e film così brutti dal rasentarne il sublime. Sappiamo che fanno schifo, ma c'è quel lato oscuro che è dentro di noi, si proprio anche a te che pensi di esserne sprovvisto, che irretisce e ci fa esaltare (anche a te che lo neghi!) di fronte a cotanta porcheria. Così brutto da essere bello. Non è un ossimoro stile 'donazione volontaria obbligatoria', è qualcosa di più. Soprattutto se si tratta di un film interpretato da Nicolas Cage.
Ora, c'è Nicolas Cage e Nicolas Cage. Inchessenso? - C'è Nicolas Cage, nome d'arte di Nicola Kim Coppola, appartenente alla blasonata dinastia cinematografica dei Coppola che ha recitato in bei film come Cotton Club e Peggy Sue si è sposata, entrambi diretti dallo zio Francis, e ha anche vinto un Oscar per Via da Las Vegas. E c'è Nicolas Cage, il re dei film dem@erda. La leggenda metropolitana dice che il buono e caro Cage ha dovuto fare film 'alimentari' per pagare dei debiti. La mia versione è che in parte è vero, in parte è che dopo un po' ci ha preso gusto. Perché per fare film demmr#da ci vuole arte e grandi capacità. In più funge da possibile catarsi per Nicola Kim Coppola, riuscendo a districarsi da una famiglia così complessa e 'radical chic', trovando il suo hummus per creare qualcosa di suo, qualcosa di speciale che solo lui riesce a fare.
Perché quando la tua faccia devastata dalle api diventa una maglietta, vuol dire che ormai sei entrato nel mito. E se ci si diverte pure - perché Nicolas Cage si diverte un mondo nel fare questi film - perché smettere?
E con questa premessa e il giusto spirito che si deve prendere Drive Angry
Drive Angry prende il cinema Grindhouse celebrato alla grande da Quentin Tarantino con A prova di morte e lo frulla con una tonnellata di trash.
Già le premesse sono promettenti, e il regista ci intorta alla grande con uno scenario apocalittico da fare invidia a Dante Alighieri. D'altronde è l'inferno, bellezza. Inizio rombante e sfolgorante dove il nostro eroe John Milton (un nome che è tutto un programma) si appresta a sfondare il cancello degli inferi per una missione: salvare la nipotina che è stata rapita da una setta di brutti figli di sultana responsabili della morte della figlia. 
Il 'Contabile' (William Fitchner) presenta il nostro eroe Nicolas Cage/John Milton al pubblico già in delirio dopo i primi folgoranti 30'' come un 'cazzuto figlio di puttana in fuga'. E da uno così cosa ti aspetti, che ti faccia le treccine???
Dunque, John Milton spacca i cancelli degli inferi e vuole spaccare i culi dei membri della setta. Il piano non fa una grinza. Durante la ricerca dei malefici, si imbatte in una cameriera scafata Piper (Amber Heard) che non te le manda a dire e che non ci pensa due volte di menare le mani. Beh, non aspettatevi le treccine neanche da lei. Al massimo le puoi mettere lo smalto sulle unghie dei piedi, soprattutto se sei un manzo da paura. Preferibilmente nudo.
Piper e Milton inseguono il capo della setta Jonah King, mentre il contabile insegue Milton che lo deve rispedire all'inferno dove è scappato 'in missione per conto di Satana'. 
E in un tripudio di miccette (cit.) Milton si destreggia in sparatorie, esplosioni, sacrifici umani che stanno per compiersi e una sana, carneficina che il nostro supergiovane con parrucchino biondo si destreggia con una monoespressività da rasentare la Magnum di Derek Zoolander a: sparare,schivare i colpi, bere whiskey e continuare a farsi la sua trombata con la biondona stagionata. E il regista Patrick Lussier ci sguazza di brutto nel far cappottare e incendiare le auto con un sapiente e mefistofelico duo di rallenty e accelerate, con il baldo Milton e la sua faccia impassibile/scazzata mode on pronto a sparare con un pistolone da far invidia pure al nostro Rocco nazionale. Il tutto cucinato e speziato (ed esasperato) dal 3D per dare un senso di trash ancora più eccitante.
I personaggi cattivi sono ovviamente tagliati con l'accetta, ma la triade Milton-Contabile-Piper fa a gara di ficaggine per farsi idolatrare dal pubblico ormai in estasi per così tanta buona manna trashosa piovuta dal cielo. Perché se John Miton è già fico di suo e Piper è cazzuta al punto giusto, anche il Contabile ha i suoi 15 minuti di fama uscendo con nonchalant da una macchina (ovviamente ribaltata), e con tanto di scena madre su un furgoncino che potrebbe esplodere da un momento all'altro al ritmo di disco dance. Così figo da meritarsi un best of delle sue imprese migliori su Youtube.
Nel frattempo Milton si appresta a compiere la sua vendetta alla guida spericolata di una Chevelle 454 con conseguente mattanza di freak e di fuori di testa, arrivando allo scontro finale con King. E se Hannibal Lecter preferisce mangiare del fegato umano con un piatto di fave e un buon Chianti, John Milton è di bocca buona e preferisce bere un buon whiskey dal teschio di un povero stronzo esaltato.
Drive Angry va visto nell'ottica di assistere a un film che gronda trash e 'profonda mm#rda' per godere appieno delle prodezze di Nicolas Cage alla guida di una macchina super indemoniata.
E Top Gear muto.






Voto: 7






Hanno partecipato al Nicolas Cage Day
Lazyfish: Mandy
La Bara Volante: The Rock
Non c'è Paragone: L'ultimo dei templari
La fabbrica dei sogni: Stress da vampiro
Pietro Saba World: Mom and Dad
La stanza di Gordie: The Family Man
Cuore di celluloide: USS Indianapolis






domenica 6 gennaio 2019

MONNEZZA MOVIE: Song to Song



Titolo: Song to Song
Id, USA, 2019

Cast: Michael Fassbender, Rooney Mara, Ryan Gosling, Natalie Portman.
Sceneggiatura: Terrence Malick
Regia: Terrence Malick
Durata: 128'









RECENSIONE SCEMA

Sega mentale.
Fassbender che assalta la topa di Rooney Mara.
Lo showbiz fa schifo.
Ryan Gosling inebetito.
Fassbender fa l'animale scemo dopo aver abbracciato la topa di Roney Mara.
Fassbender abbraccia la topa di Natalie Portman. Prima e dopo averla sposata però.
Lo showbiz fa schifo.
Voce over, aka sega mentale.
Girotondo sentimentale.
Fassbender abbraccia tope multiple.
Splendidi paesaggi, che ci salvano dallo showbiz che fa schifo.

Ripeti x 3

Sega Mentale.
Fassbender fa l'animale scemo.
Fassbender abbraccia la topa. Non importa di chi, lui l'abbraccia e basta.
Gosling inebetito.
Sega mentale.
Natalie Portman che è infelice anche se la sua topa è stata abbracciata da Fassbender.
Lo showbiz fa schifo.
Meglio la zappa, no, la piattaforma petrolifera. Ma forse era meglio la zappa. Vero Gosling?
Splendidi paesaggi, che ci salvano dallo showbiz che fa schifo.

Ripeti x 3

Fassbender comincia a stufarsi di abbracciare tope.
Cate Blanchett messa a caso per intrupparsi con Gosling.
Gosling rimane in ogni caso inebetito.
Meno male che Patti (Smith) c'è.
Ma lo showbiz rimane comunque uno schifo.
Sega mentale.
Splendidi paesaggi, anche se sappiamo che lo showbiz fa schifo.

Ripeti x 3

RECENSIONE SERIA: 

La recensione scema è servita da catarsi, perché duole il cuore stroncare Song to Song. Da grande fan di Malick, dispiace non aver apprezzato il suo penultimo film. 
Sarà che non l'ho visto al cinema, sarà che non ero nel giusto mood, ma dopo 30' mi ero addormentata. E verso la fine del film ho maledetto la mezz'ora di abbiocco con la mia vocina over/sega mentale 'se non mi fossi abbandonata alle braccia di Morfeo, a quest'ora l'avrei finito di vedere, o me tapina'.
Ma cosa non va e cosa comunque funziona in Song to Song?
Partendo dal presupposto che probabilmente non capisco un catzo, provo a spiegare ciò che mi ha comunicato Malick attraverso la sua filmografia. 
Quindi prendetela un po' come volete e anche dove volete. 
Dunque, il filosofo e regista texano usa le immagini per esprimere i suoi concetti filosofici sul significato dell'esistenza, Dio e il nostro rapporto con la religione, il nichilismo dell'essere umano e l'esistenzialismo del suo amato Martin Heiddeger. 
I film di Malick, da The Tree of Life in poi, sembrano dei veri e propri trattati filosofici dove utilizza il linguaggio visivo invece delle parole scritte.
E i con i suoi simposi, Malicj analizza: 1)Hollywood, dove smonta pezzo per pezzo l'universo dorato sporcandolo di tristezza e vuotezza con la scure della depressione (come in Knight of Cups) 2) l'amore e quel senso di ricerca di appagamento che si svuota una volta ottenuto (To the Wonder). 3)Il rapporto conflittuale tra l'essere umano, la natura e Dio (The Tree of Life) 4) Il senso della vita e la bruttura della guerra in contrapposizione con lo splendore della natura un tempo incontaminata (La sottile linea rossa) 5) la ribellione contro le istituzioni intrisa di noia e banalità del male (La rabbia giovane).
Nel caso di Song to Song, utilizza un territorio - il music business - forse a lui poco conosciuto. E qui cominciano i catzi acidi. Perché se alla fine Hollywood la conosce e può permettersi di schifarla al punto giusto, in Song to Song sembra riciclare le idee di Kight of Cups infarcendole però di cliché e stereotipi. Ragazzini che ballano come rincoglioniti, il cantautore puro che viene stritolato dal mondo del music business, il produttore senza scrupoli, la Cenerentola che pensa di aver trovato il principe azzurro e invece era meglio se si teneva la scarpetta di vetro e tornava, nel suo caso, a servire i tavoli, la ragazzina ingenua che cresce e inizia a muovere i passi nella musica. E i personaggi ridotti a macchiette non aiutano di certo a instaurare empatia con lo spettatore. E non ci sono voice over/seghe mentali che tengano.
Il personaggio più urticante infatti è il personaggio di Cook (che in probabilmente si chiama Mario Rossi, ma il nome d'arte fa più figo) che è stereotipato fino al buco del cu#lo. Fassbender per carità, tanto bravo e tanto bono (lo vorrei pure io un suo abbraccio alla mia di topa) qui è veramente insopportabile. Sembra boh, che abbia fatto super acquisti alla fiera dei cliché, facendoli in ogni suo movimento e cosa che fa. Ed è ovviamente profondo quanto un encelofalogramma piatto. E no, le seghe mentali lui non le fa perché ovviamente è un povero pirla decerebrato e a compensare ci pensano i de profundis del personaggio di Faye/Rooney Mara.
Se comunque i personaggi femminili sono un po' più curati, quelli maschili sono tagliati con l'accetta, regalandoci stereotipi e totale mono dimensionalità che non risparmia nemmeno il BV (sarà il nickname dell'omonimo di Bruno Vespa?) di Ryan Gosling, che dovrebbe (probabilmente) rappresentare l'anima candida stritolata dai meccanismi perversi del mondo della musica. Candore o meglio stupidità del personaggio di Rondha/Natalie Portman: ma davvero nel Ventunesimo secolo si credono ancora alle favole e al 'e vissero tutti felici e contenti'. Ma veramente?
Il film comunque si salva dalla monnezza totale grazie alle splendide immagini che Malick ci regala e dalla meravigliosa fotografia di Emmanuel Lubeski. Perché anche se ne sto dicendo peste e corna, Song to Song dal punto di vista stilistico è una  favola con le sue immagini mozzafiato e dal punto di vista della regia è più 'stabile' di Kight of Cups (stavo male al cinema, sarà stato il caldo inusuale della terra inglese?). 
Purtoppo il tutto viene ammazzato con un'ammorbante ripetitività (e qui in parte si spiega la struttura della recensione scema. Anche perché a me piace assai scrivere scemate) che mette a dura prova la visione. O almeno la mia. 
Se comunque nel precedente Kinght of Cups aveva comunque un minimo di struttura narrativa coadiuvato dal gioco delle carte, in Song to Song la ripetitività è una dannata spina nel fianco.
Tutto sembra uguale, un girotondo di cliché che si protrae per due ore. E poco importa se comunque ci sono momenti poetici regalati dai splendidi scenari del Texas e il cammeo di Patti Smith che suona con Faye/Mara sono un sollievo, perché l'incazzatura rimane.  
Questa volta la ricetta vincente usata nei precedenti film non basta e forse è meglio esplorare nuovi concetti e nuove forme di comunicazione. Forse l'ha fatto nel suo ultimo lavoro, Radegun. Spérem. 

Voce over:
Comunque, caro Terrence, nessun rancore. Peace and love (ripeti x 3).

Voto: 5 (10 per le immagini e la fotografia, 2 per la storia)

A.M. 







domenica 30 dicembre 2018

CELEBRATION (35 Anniversary): Una poltrona per due






Titolo: Una poltrona per due
Titolo originale: Trading Places
USA, 1983
Cast: Dan Aykroyd, Eddie Murphy, Ralph Bellamy, Don Ameche.
Sceneggiatura: Timothy Harris, Herschel Weingrod.
Regia: John Landis.
Durata: 113'

Cosa fareste se ogni vostra certezza crollasse da un giorno all'altro per mano di coloro che cambiano volutamente il vostro destino?
I fratelli Duke (Don Ameche e Ralph Bellamy), uomini tanto ricchi quanto avari decidono di scommettere in nome della "scienza", per scoprire se è vero se si è predisposti geneticamente a delinquere in un contesto sociale degradato e contemporaneamente, e se altrettanto veritiero se si ha una predisposizione ad avere successo vivendo in un contesto altolocato. Le cavie per questo esperimento da premio Nobel sono Louis Winthorpe III (Dan Akroyd) e Billy Ray Valentine (Eddie Murphy).
Louise è un giovane spocchioso dal nome imponenete, laureato ad Harvard, tratta con sufficienza tutti, compreso il suo maggiordomo Coleman (Delhmon Elliot), che più che servirlo sembra farle da seconda madre vestendolo, nutrendolo e facendogli la barba.
Tutta la sua vita è già stabilita: laurea, eccellente posizione in una delle più grandi società finanziarie, e sta per sposarsi con la nipote dei Duke (anche se non disdegna le attenzioni di un amico del club).
Billy Ray invece passa le giornate a chiedere l'elemosina spacciandosi per un ex reduce del Vietnam che lo ha privato della vista e delle gambe, ha debiti al bar ed è sempre in mezzo ai guai con la polizia.
Una volta scelti i soggetti, entra in gioco il potere del denaro, capace di cambiare le vite delle persone ma anche di corrompere per rovinare le vite altrui. grazie al denaro viene corrotto Coleman, che già compativa Louis, così come viene corrotta la polizia che infanga la fedina penale di Louis con l'accusa di spaccio di polvere d'angelo.
E 100 dollari fanno comodo a Ofelia  (Jamie Lee Curtis), che per quella cifra finge di essere una sbandata a che vuole la droga dal malconcio Louis, facendo rompere il fidanzamento con Penelope.
Louis una volta uscito dalla prigione cerca di riabilitarsi, ma ritrovatosi senza soldi, con un occhio nero e con un vestito che ricorda quello di un pappone, scopre sulla propria pelle il disprezzo dell'upper class di cui faceva parte neanche qualche giorno prima. Così come scopre di aver vissuto in un contesto falso e ipocrita: i suoi amici non sono poi così amici, ma sono solo degli  snob arroganti, e la sua ex fidanzata ha trovato un pretesto per lasciarlo per il suo "migliore" amico.
L'unico in cui crede alla sua innocenza e gli offre il proprio aiuto è invece Ofelia, squillo dal cuore d'oro.
Cosa succede invece alla vita di Billy Ray? Si ritrova ripulito da capo a piedi (ma i suoi vestiti vengono portati in lavanderia per il suo ritorno alla strada), ha una bella casa, un favoloso conto in banca e anche un maggiordomo. Se inizialmente Billy Ray pensa che sia una presa in giro, nel giro di poco tempo gli amici che frequentava non li sopporta più considerandoli dei buzzurri che spengono le sigarette sul tappeto persiano, e sfodera una certa capacità negli affari grazie a intuizioni e fiuto per gli affari, diventando un ottimo broker anche senza la laurea in una Ivy league, dimostrando di essere un vincente grazie agli studi effettuati all'università della vita.
I fratelli Duke non hanno remore nel manipolare le vite altrui per un capriccio antropologico-scientifico, e vincono la scommessa facendo arrivare Louis quasi a delinquere, diventando un esilarante babbo Natale ubriaco che mangia il salmone rubato su un autobus, arrivando quasi a farla finita. Ma Billy Ray scopre l'inganno e si allea con Louis, Ofelia e Coleman ripagando con la stessa moneta i Duke & Duke. 
Il loro piano ovviamente è squinternato, creando un demenziale quartetto composto da un prete scozzese, una svedese, un giamaicano e uno studente con borsa di studio che viene dal Camerun. E il lieto fine è dietro l'angolo, il capitalismo viene schiacciato e il relax su un'isola tropicale è assicurato.
Una poltrona per due è uno spassoso film che critica con feroce sarcasmo l'era reganiana e il mondo del capitalismo, dove i ricchi disprezzano i poveri e i poveri deridono i ricchi (una su tutte le smorfie di derisione mal celate da Coleman a Louis, e il maggiordomo dei Duke che li manda a quel paese dopo aver ricevuto la gratifica di 5 miseri dollari).
John Landis prende di mira il capitalismo made in USA con questa commedia delirante modellata sulla fiaba de Il principe e il povero, mostrando sulle note de Le nozze di Figaro (orchestrate dal grande Elmer Bernstein) due facce della città di Philadelphia con le sue belle case, l'alta borghesia, le banche, le sue imponenti statue, messe in contrapposizione con la povertà dei quartieri e i miseri spazi dove i giovani possono giocare a basket, due facce speculari della stessa città. Così come due vite agli antipodi sono quelle del ricco Louis Winthorpe III e del povero Billy Ray Valentine.
Il tutto viene condito con uno squisito senso della demenzialità dove non viene neanche risparmiata Wall Street, rappresentata come la culla del Dio dollaro e dell nevrosi dei broker che danno di matto per fare quattrini.
La morale di fondo è che l'abito non fa il monaco, dove un candido completo da tennis nasconde meschinità e falsità e un abito succinto di una squillo invece nasconde altruismo (anche se prima è per affari, poi per amore) e soprattutto, nella vita non bisogna mai dare niente per scontato.
Louis diventa più umile, e Billy Ray più onesto. L'esperimento dei Duke è riuscito, così come è riuscita questa commedia sarcastica e divertente, che verso il finale parte a briglia sciolta sulle corde della demenzialità tanto cara a Landis.
Diretto con tempi comici perfetti e un cast di attori eccellenti, con il trio Aykroyd-Murphy-Curtis e con le vecchie glorie del cinema Ralph Bellamy e Don Ameche,  Una poltrona per due è una satira che a 35 anni di distanza sa  ancora essere ferocemente corrosiva sul mito ormai un po' malconcio del capitalismo americano.

Voto: 8.5

martedì 25 dicembre 2018

CULT MOVIE XMAS EDITION: La vita è meravigliosa



Titolo: La vita è meravigliosa
Titolo americano: It's a Wonderful Life
USA, 1946
Cast: James Stewart, Donna Reed, Lionel Barrymore.
Sceneggiatura: Frances GoodrichAlbert HackettFrank CapraJo SwerlingMichael Wilson.
Durata: 130'

Come sarebbe la cittadina di Bedford Falls senza George Bailey (James Stewart)? L'angelo di 'seconda classe' Clarence prova a fargli capire che è indispensabile per la piccola contea americana, e cerca salvarlo dalla disperazione e dal suicidio mostrandogli che la vita - dopo tutto, è pur sempre meravigliosa.
E' strano, ma il siciliano (trapiantato negli USA da bambino) Frank Capra fu il cineasta italo-americano che riuscì meglio di chiunque altro a diventare il simbolo del New Deal americano degli anni Trenta/Quaranta.
Capra decretò il trionfo dell'uomo comune - riuscendo a diffondere la speranza e l'ottimismo con i suoi film zuccherosi e smaccatamente populisti. In apparenza. Perché in realtà i film di Capra nascondono un sottile velo di cinismo e una critica - meno velata - al capitalismo americano, con un'amarezza di fondo nascosta per l'appunto in una patina di buonismo e melassa.
George Bailey incarna il perfetto archetipo dell'uomo comune, l'everyman per eccellenza: buono, altruista, pensa sempre al prossimo prima che a sé stesso, adorato dalla moglie Mary (Donna Reed) e ama a sua volta la sua splendida famiglia.
George Però vive una costante frustrazione di fondo: la cittadina di provincia gli sta stretta, vorrebbe vedere il mondo e andare al college.
Ma qualcosa va storto - che sia il desiderio espresso dalla sua futura moglie Mary, che lanciando quel sasso contro la loro futura dimora a cambiare radicalmente la sua vita?
I piani di George si infrangono sotto il peso delle responsabilità famigliari dopo la dipartita del padre.
Così il mite George decide di rimanere a casa e di salvare l'attività paterna che concede mutui alla gente di Bedford Falls - con grande disappunto di Mr.Potter (Lionel Barrymore) che vorrebbe mettere le mani sull'attività e sulla città intera.
George e Mr. Potter sono agli antipodi, banalmente si potrebbero definire il bene contro il male.
Se George si sente segretamente inappagato dalla piega che hanno preso eventi - rei di aver minato irreparabilmente i suoi sogni, è riuscito comunque a costruire una felice famiglia e a diventare un punto di riferimento per la città.
Felicità che non appartiene a Mr. Potter, che è il cittadino più ricco di Bedford Falls, ma è infermo di salute e soprattutto un uomo solo e senza eredi.
Capra sembra che voglia dirci che i soldi non fanno la felicità: George e Mary sono felici anche se vivono in ristrettezze economiche con la loro casa ancora da ristrutturare, mentre Mr. Potter sopperisce alla sua profonda solitudine con la sua vorace avidità di denaro, cercando di colmare il vuoto causato dalla solitudine. 
Mr. Potter conosce il lato debole di George e vorrebbe 'comprarlo' offrendogli denaro e una buona carriera - George è allettato, finalmente potrebbe viaggiare e dare una vita agiata a Mary, ma rifiuta per il suo buon cuore e soprattutto per quelle responsabilità che lo tengono legato.
Sembra che il fato abbia deciso tutto in precedenza - 'accanendosi' contro di lui che cerca di cambiare radicalmente la sua vita. Il suo destino è Bedford Falls.
George cerca di sfuggirgli in varie occasioni: la prima volta, dopo il diploma, quando sogna di andare al college nonostante si fosse innamorato di Mary. Un momento felice e spensierato, lontano dai problemi -  funestato però dalla morte improvvisa del padre, che gli lascia in eredità l'attività da mandare avanti.
La seconda volta quando è in procinto di partire per il viaggio di nozze - rovinato dalle smanie di potere di Mr. Potter che tenta di appropriarsi della cooperativa di risparmio.
La terza volta, quando ha la possibilità di cambiare vita con l'offerta di Mr. Potter, ma questa volta è George a rifiutare, in nome dei suoi sani principi e delle responsabilità che ha nei confronti della sua famiglia e del prossimo.
Se è un uomo di buon cuore e ben voluto, perché è disperato al punto da volerla fare finita?
Perché è disperato, sente crollargli il mondo addosso per via del denaro da recuperare disperatamente, rendendo vano il progetto paterno per la quale ha sacrificato i suoi sogni.
Perché il dio denaro sembra avere la meglio sulla generosità e tutti i suoi sacrifici stanno andando in fumo per colpa della sbadataggine dello zio Billy e soprattutto per le macchinazioni di mr. Potter.
Meno male che c'è Clarence che ha bisogno delle sue ali, ma ha bisogno di aiutare un uomo che ha dedicato la sua intera esistenza al prossimo e per una volta deve essere aiutato lui stesso.
Allora gli mostra il mondo senza George Bailey: Pottersville, la città della perdizione e del capitalismo dove i suoi cittadini sono infelici o rovinati da scelte sbagliate -  scelte che hanno fatto perché George non era lì ad aiutarli.
Tutto sembra perduto, ma alla vigilia di Natale il bene che ha elargito gli ritorna indietro -  con il prezioso contributo dei cittadini di Bedford Falls. Niente da fare George Bailey, la città ha bisogno di te, non devi andare da nessuna parte.
Frank Capra regala il lieto fine per George e per gli spettatori. Regala un momento di ottimismo, perché è pur sempre una favola.
La guerra è finita da un anno, e Bedford Falls rappresenta il simbolo della ricostruzione dell'America e l'invito ad aiutarsi l'uno con l'altro, solo così si può costruire un futuro migliore per le prossime generazioni.
Per un giorno dimentichiamo i problemi, e nonostante avide persone come Mr. Potter rimangano impuniti - suggerisce che il capitalismo può sempre vincere, incrinando il sogno americano a cui Frank Capra ha vissuto in prima persona quando a 6 anni sbarcò in America dalla lontana Sicilia.
L'America da, l'America toglie. Sembra questo il monito che vuole dare Capra. E l'unico modo per sopravvivere è essere altruisti per non lasciare in eredità un mondo povero e arido di valori.

Voto: 9